Pipya: "Ciò che creo è un elemento di disturbo"

Questa prima parte di anno ha rappresentato un momento chiave per il percorso artistico di Pipya, con la nascita di due album apparentemente distanti ma in realtà più simili di quanto si possa pensare.

I due progetti vanno infatti riletti in chiave dialogica, essendo legati dal filo rosso della continuità, da intendere non in senso classico bensì in senso di confronto stimolante.

Il primo lavoro "Dungeon Clash Tournament" è caratterizzato dal rapporto di complicazione tra diversi artisti in feat con Pipya, in un mix eterogeneo di stili; il secondo - "And the gangband vol. 1" - si basa invece sulla relazione tra i suoi stessi brani e le loro rivisitazioni in chiave strumentale.

Se DCT è superamento di diversi livelli che sono sia scavalcabili sia necessari gli uni agli altri - come in un videogioco dove sfidarsi costantemente (in una associazione che Pipya ha ammesso di aver fatto a posteriori) - ATG è rivisitazione e sorpasso dell’originale, mantenendo e forzando i codici dello stesso.

E allora ecco apparire all’orizzonte il motivo della sfida, intesa come processo creativo in continua evoluzione: verticale in DCT, orizzontale in ATG. Nel primo, i feat si susseguono e vanno in clash, si combattono in un torneo l’uno dopo l’altro, alla ricerca di un continuo miglioramento, nell’altro invece le tracce strumentali rivisitano e rileggono quelle originali - affiancati anche da tre inediti - portando un nuovo punto di vista.

La creatività sembra così messa al servizio del gioco, o forse è il contrario; in entrambi gli album emerge potente la necessità di confrontarsi con artisti e generi diversi, trasformando la materia presente in qualcosa di nuovo, in un confronto serrato e senza fine. Questa esigenza sta alla base di un altro dei temi dialogici che legano gli album: il senso per l’invenzione, espressa dalla ricerca di lingue straniere sconosciute ai più e di neologismi in DCT; mentre nello strumentale ATG è la trasformazione ritmica e armonica a farla da padrona.

A chiudere questo serrato dialogo e confronto di idee, corre in soccorso la grafica delle copertine, che si ispira ai videogiochi Arcade degli anni ’80 - primi ‘90, a sottolineare ancora una volta l’esigenza della sfida concepita come gioco innovativo ed eterno confronto in battaglia.

DCT assurge a modello perfetto di questo principio di scontro, proponendo brani concepiti come singoli caricati in loading che si superano di livello in livello, in un confronto senza fine e aperto a ogni possibilità.

L’ouverture è affidata a Moodboard (feat Rares): nei primi secondi echeggiano bip elettronici a cui presto si sovrappongono potenti beat seguiti dalla voce imprevedibile di Rares, che si muove su sonorità synth-wave liquide, pronte a riempire e svuotare immaginifici spazi. Un bridge tra dance e elettro-pop à la Cosmo ci traghetta verso decisi battiti IDM dove la voce fluttua libera e ripete in chiusura – non a caso - la parola gioco.

In Dungeon Clash Tournament hai esplorato l'interazione tra vari artisti e generi, mentre in And The GangBand Vol. I hai evidenziato un approccio più strumentale e sperimentale. Quali sfide incontri nel conciliare la dimensione collaborativa con quella più introspettiva?

Credo che sia la collaborazione sia il lavoro solitario siano sempre dei compromessi di cui è difficile comprendere o prevedere l'esito. In entrambi i casi cerco di tracciare un sistema flessibile e aperto che possa essere influenzato e traviato in qualunque momento. La differenza sta nel fatto che: nella collaborazione è previsto un dialogo e alcune scelte si impongono come punto di partenza: un timbro vocale, una prospettiva o un gusto estraneo. Ma non mi sento così sicuro da pensare che le mie scelte siano corrette e intoccabili, quindi percepisco la collaborazione come un confronto in più rispetto a un dibattito già esistente in me.

La tua evoluzione artistica attraversa dimensioni musicali diverse e sembra spesso oscillare tra ordine e caos, struttura e improvvisazione. Come riesci a mantenere una coerenza narrativa e una visione unitaria, in questo variegato percorso sonoro?

Consciamente e inconsciamente applico dei procedimenti narrativi e riconosco i sistemi semiotici che si creano nel processo della creazione e modellazione della forma.

Parto da idee e possibilità multidirezionali e potenzialmente caotiche, ma mi interesso man mano di come le cose vengano percepite nel dettaglio e nel complesso.

Volendo rispondere direi che è una sorta di esplorazione geografica di un territorio: se gli elementi condividono un contesto e una natura geologica comune possono presentarsi con forme e comportamenti diversi e al contempo apparire coerenti tra di loro.

ATG è il secondo lavoro di Pipya di quest’anno: affidato al suo quartetto strumentale ed elettronico, nasce con l’intento di eseguire live brani vecchi e nuovi dell’artista, in un connubio tra sperimentazione e gioco, assolvendo al compito già svolto da DGT, seppur in modo diverso, di unire inventiva e svago.

Backdoor (Hidden) è la traccia di chiusura dell’album, si apre con un sottofondo noise puntellato da echi di pianoforte a cui si aggiungono lievi tocchi di chitarra elettrica che creano un'atmosfera sghemba e straniante. Gli intrecci di chitarra tra rock noise si fanno più evidenti e richiamano armonie sognanti e distese, fino a scomparire, lievi e al tempo stesso disturbanti.

L’analogia tra musica e il concetto di “malware” informatico è intrigante. In che modo percepisci la tua arte come un elemento di disturbo e trasformazione nel panorama musicale contemporaneo, e quali reazioni o riflessioni speri di provocare nell’ascoltatore?

Non lo avevo veramente pensato in questo modo, ma ha un senso. Credo che quello che faccio, per quanto possa essere fruibile in tanti casi, sia sempre un elemento di disturbo rispetto alla logica di produzione e ascolto discografico, non per i timbri o i suoni proposti, ma per la sua natura instabile. Non c'è un vero spazio/catalizzatore confortevole, sicuro, per le musiche da me proposte, almeno nel panorama che dalla mia prospettiva limitata riesco a vedere; non mi interessa ovviamente cimentarmi in operazioni scontate o monodirezionali in nessuno degli ambiti con cui interagisco.

Offro una visione musicale ricombinata, mutevole, quindi inaccettabile ma senza il radicalismo dell'inaccettabilità, che spesso è una forma di conformismo.

È un malware, se vogliamo, che comprende il sistema e traccia una sua strada al contempo omogenea e disomogenea: in sintesi non sono ben visto dagli algoritmi.

Il percorso di And The GangBand Vol. I appare dunque come una continua ricerca di nuovi orizzonti e di interazioni inaspettate. Quali direzioni future immagini per la tua esplorazione e come intendi sfidare ulteriormente i confini convenzionali della musica?

Forse più che sfidare i limiti della musica direi sollecitarli: arriverà il momento di estenderli, ma la sfida, se c'è, è rivolta più al mercato musicale che non alla musica in sé, che è un concetto/contenitore già sufficientemente ampio. Ho alcuni dubbi, penso che il prossimo passo sia elettronico, ma ovviamente non è definitivo. Mi sembra che le mie priorità di ricerca siano attualmente più comunicative che meramente personali.

In conclusione, non si può che ulteriormente affermare che Il lavoro dell’artista assume cosi le sembianze di un mutevole open source sempre aperto a modificazioni, superamenti inclusivi e nuove stimolanti intrusioni, in un continuum senza sosta.

ENGLISH VERSION

This first part of the year has been a key moment for Pipya's artistic journey, with the creation of two albums that may seem disparate but are actually more alike than one might think.

Indeed, the two projects should be reinterpreted in a dialogic key, being linked by the red thread of continuity, understood not in a classical sense but rather as a stimulating confrontation.

The first work, "Dungeon Clash Tournament" is characterized by the complex interplay between various artists featured with Pipya, resulting in a heterogeneous mix of styles; while the second, "And the GangBand Vol. 1" is based on the relationship between Pipya's own tracks and their instrumental reinterpretations.

If DCT represents the overcoming of various levels that are both surmountable and necessary for each other — like in a video game where one is constantly challenged (an association Pipya admitted to making retrospectively) — ATG is a revisitation and surpassing of the original, maintaining and pushing its own codes.

Hence, the motif of the challenge appears on the horizon, understood as a creative process in continuous evolution: vertical in DCT, horizontal in ATG. In the former, the featured artists follow one another and clash, battling in a tournament one after the other in search of continuous improvement; while in the latter, the instrumental tracks revisit and reinterpret the original songs — also accompanied by three new tracks — offering a new perspective.

Thus, creativity seems to be at the service of play, or perhaps it is the other way around; in both albums, the need to engage with different artists and genres emerges powerfully, transforming the existing material into something new, in a relentless and endless confrontation. This necessity underpins another of the dialogic themes linking the albums: the sense of invention, expressed through the exploration of foreign languages unknown to most and the creation of neologisms in DCT; while in the instrumental ATG, rhythmic and harmonic transformation takes center stage.

To conclude this intense dialogue and exchange of ideas, the cover art comes to the rescue, inspired by the Arcade video games of the 80s and early 90s, once again highlighting the need for creative challenge conceived as an innovative game and eternal battle. DCT ascends to the perfect model of this principle of clash, presenting tracks conceived as singles loaded in a continuous progression from level to level, in an endless confrontation open to every possibility.

The opening is entrusted to Moodboard (feat Rares): in the first few seconds, electronic beeps resonate, soon joined by powerful beats followed by Rares' unpredictable voice, which moves over liquid synth-wave tones, ready to fill and empty imaginative spaces. A bridge between dance and electro-pop à la Cosmo carries us towards determined IDM beats where the voice floats freely and, fittingly, repeats the word 'play' at the end.

In "Dungeon Clash Tournament," you explored the interaction between various artists and genres, while in "And The GangBand Vol. I," you highlighted a more instrumental and experimental approach. What challenges do you face in reconciling the collaborative dimension with the more introspective one?

I believe that both collaboration and solitary work are always compromises whose outcome is difficult to understand or predict. In both cases, I try to establish a flexible and open system that can be influenced and deviated at any moment. The difference lies in the fact that collaboration involves a dialogue, and some choices impose themselves as starting points: a vocal timbre, a perspective, or an external taste. But I do not feel so confident in what I do as to think that my choices are correct and untouchable, so I perceive collaboration as an additional confrontation compared to an already existing debate within me.

Your artistic evolution spans different musical dimensions and often seems to oscillate between order and chaos, structure and improvisation. How do you manage to maintain a narrative coherence and a unified vision in this diverse sonic journey?

Consciously and unconsciously, I apply narrative processes and recognize the semiotic systems that arise in the process of creation and shaping the form. I start from multidirectional and potentially chaotic ideas and possibilities, but I become increasingly interested in how things are perceived in detail and as a whole. If I were to answer, I would say it is a kind of geographical exploration of a territory: if the elements share a common context and geological nature, they can present themselves with different forms and behaviors while still appearing coherent with each other.

ATG is Pipya's second work this year: entrusted to his instrumental and electronic quartet, it was created with the intention of performing the artist's old and new tracks live, blending experimentation and play, fulfilling the task already performed by DGT, albeit in a different way, of combining inventiveness and play.

Backdoor (Hidden) is the closing track of the album. It opens with a noise backdrop punctuated by piano echoes, to which subtle electric guitar touches are added, creating a skewed and disorienting atmosphere. The intertwining guitars, amidst rock noise, become more pronounced and evoke dreamy and expansive harmonies, eventually fading away, gentle yet simultaneously unsettling.

The analogy between your music and the concept of a computer “malware” is intriguing. How do you perceive your art as an element of disruption and transformation in the contemporary music scene, and what reactions or reflections do you hope to provoke in the listener?

I hadn't really thought of it that way, but it makes sense. I believe that what I do, while it may be enjoyable in many cases, is always a disruptive element in relation to the logic of production and listening in the music industry, not because of the timbres or sounds proposed, but because of its unstable nature. There is no real comfortable, secure space/catalyst for the music I propose, at least in the panorama that I can see from my limited perspective; and I'm obviously not interested in engaging in trivial or one-directional operations in any of the fields I interact with. I offer a recombined, mutable musical vision, therefore unacceptable but without the radicalism of unacceptability, which is often a form of conformism. It's a malware, if you will, that understands the system and traces its own path, simultaneously homogeneous and heterogeneous: in short, I am not well-received by the algorithms.

The journey of "And The GangBand Vol. I" seems like a continuous search for new horizons and unexpected interactions. What future directions do you envision for your exploration, and how do you intend to further challenge the conventional boundaries of music?

Perhaps rather than challenging the limits of music, I would say stimulating them: the time will come to extend them, but the challenge, if there is one, is more directed at the music market than at music itself, which is already a sufficiently broad concept/container. I have some doubts; I think the next step will be electronic, but of course, it is not definitive. It seems to me that my research priorities are currently more communicative than merely personal.

In conclusion, one can further assert that the artist's work thus takes on the semblance of a mutable open source, always open to modifications, inclusive advancements, and new stimulating intrusions, in a continuous, unceasing flow.