Dumka Algoritmo: “What is my function on this Earth?”

Dumka Algoritmo — an alias born from contrast, a space open to transformation.

In his first public interview, the artist guides us through a creative process fueled by fractures, mystery, and deep listening. Dumka Algoritmo emerged from a spontaneous collision between an old analog recording and digital interferences — but evolved into an inner realm where music becomes a tool for change.

His approach blends intuition and awareness: each track is the outcome of a profound dialogue with himself, with those around him, and with the city of Naples — a land of duality and invisible beauty. His words are not just aesthetic, but ethical: musical research becomes an act of presence, a way to stay balanced between past and future, impulse and control, self and other.

With Dumka Algoritmo, composition is never an isolated act. It’s a shared gesture, a terrain where existential questions, philosophical references, and everyday rituals converge. It’s a project that remains porous, open — yet never loses its authenticity, even when the sound grows fragile or dissolves into silence.

Welcome. “Dumka Algoritmo” is a name that evokes calculation, structure, but also mystery. What does this alias represent for you? Is it a reflection of the self, a process of transformation, or a filter through which to decode reality?

Hi Andrea. First of all, thank you for this interview — it's my first one, and that makes me very happy and excited.

The name Dumka Algoritmo came to me after a piano recording I made years ago, a duet performed by my former piano teacher. I remember going home that day and listening back to the take in Ableton. I layered some cable interference sounds I had in my library, and I really liked the contrast that emerged.

I felt that this alias could be the beginning of a new space for experimentation.

Many things happen in a mechanical way. Still, I like to think Dumka Algoritmo arrived alongside the first steps of a long process of transformation and acceptance.

If you think about it, music can be a powerful medium to communicate a larger message. Just consider what Franco Battiato was able to do through his work. That has been a huge inspiration to me.

The compositions in your album seem to emerge from a collective memory — layered between roots, folklore, and contemporary tensions. How do you experience this dialogue between past and future?

With this album, more than ever, I felt the need to involve the tastes and influences of the people closest to me on this journey. Thanks to them, I’ve been able to expand my musical horizons, discover new genres, and have conversations that keep our bonds alive and strong.

For example, in the track “§°√π”, there’s a guitar part by my dear friend Federico Francavilla. He not only handled the photo and video side of this album — and others of mine — but is also an exceptional musician. He always comes up with interesting melodic and harmonic ideas that, in this case, made the final structure of the piece much easier to shape.

The dialogue between past and future is hard to hold together. I try to live it by staying awake — which I think means staying in the middle.

Looking back without fear or judgment, perhaps just observing, can help us take that leap into the unknown — the one that doesn’t reveal where it will lead until we land on solid ground.

When listening, your music feels like a ritual. A sonic meditation that invites introspection. What existential questions inhabit your artistic research at this moment?

The first question is: who am I? What is my function on this earth?

The second is: why can’t I cook like my mother? (laughs)

I have many questions spinning in my head — especially after finishing a wonderful book by Willigis Jäger called The Essence of Life. I find it incredibly relevant, and I truly recommend it to everyone, including those reading this interview.

Naples is a land of duality: light and shadow, ecstasy and urgency. How much does this atmosphere resonate in your sonic and visual language?

You said it well, Andrea:

Naples is a land of duality — and I’d add, of mystery. I believe it's in this very mystery that beauty resides.

Thanks to this city, I’ve learned to appreciate and take interest in what cannot be seen, far more than in what is rational and tangible.

Going back to Jäger, in his book he asks: why doesn’t science dive deeper into what cannot be seen? Are we so sure that answers of value can’t be found in the unknown?

Without a doubt, this way of thinking shapes how I approach life — and, by extension, how I approach music.

To explore also means to get lost. What drives you to cross the boundaries of the known, to surrender to sound as a tool for discovery rather than control?

I’ve always enjoyed losing myself in music — perhaps a bit too much, especially in recent years.

Lately, I’ve tried to create a healthy distance between myself and the act of making music. That gave me the chance to live with more quality in my time and return to composing in a completely new way.

There’s a thin line between discovery and control. If you break it, everything loses authenticity.

I’ve fallen into that trap many times — but I believe it’s part of the journey.

David Lynch once said: “Ideas are like fish.” I think it’s one of the most beautiful metaphors to describe the creative process — the way something can suddenly manifest and be transformed into art.

Corporeality and abstraction coexist in your language. How do you maintain a living connection to matter, gesture, and the organic in a time increasingly dominated by algorithms and automation?

I try to dedicate at least ten minutes a day to myself. These are tough times. But we must not lose hope. Fortunately, more and more people are willing to walk the path toward greater awareness. That brings a sliver of light into a moment of confusion and fragmentation.

It takes a big effort — the road is long, and laziness can easily overtake us. But in my own small way, I remain hopeful. I couldn’t do otherwise.

The album seems to generate a suspended, timeless dimension. What inner states or personal experiences guide this process? Is it a work born more from silence… or from noise?

Thank you, Andrea — that’s a beautiful compliment to me.

What guides me in the creative process, in a way, is the ongoing internal dialogue and tension. But also learning to really see what surrounds me. Without friction, in my opinion, it’s hard for anything good to emerge.

Sometimes I find myself flowing in a constant stream of feedback and impulses — without, strangely enough, losing the sense of being present.

And that’s a beautiful feeling.

ITALIAN VERSION

Dumka Algoritmo "Qual è la mia funzione su questa Terra?"

Un alias nato dal contrasto - uno spazio aperto alla trasformazione.

Nel suo primo dialogo pubblico, l’artista ci conduce dentro un processo creativo che si nutre di fratture, mistero e ascolto. Dumka Algoritmo nasce da una collisione spontanea tra una vecchia registrazione analogica e interferenze digitali, ma si sviluppa come un luogo interiore dove la musica diventa possibilità di mutamento.

Il suo approccio mescola intuizione e consapevolezza: ogni traccia è il risultato di un dialogo profondo con se stesso, con chi gli è vicino, con la città di Napoli — terra di dualità e invisibile bellezza. Non c’è solo estetica nelle sue parole, ma anche etica: la ricerca musicale è anche un esercizio di presenza, un modo per stare nel mezzo tra passato e futuro, tra impulso e controllo, tra sé e l’altro.

Con Dumka Algoritmo, la composizione non è mai un atto isolato. È un gesto condiviso, un terreno in cui convergono domande esistenziali, riferimenti filosofici e piccoli gesti quotidiani. È un progetto che si lascia attraversare, senza perdere autenticità, anche quando il suono si fa fragile, o si dissolve.

Benvenuto. “Dumka Algoritmo” è un nome che evoca calcolo, struttura, ma anche mistero. Cosa rappresenta per te questo alias? È un riflesso del tuo sé, un processo di trasformazione o un filtro attraverso cui decodificare la realtà?

Ciao Andrea. Innanzitutto, grazie per questa intervista — è la prima per me, e questo mi rende molto felice ed emozionato.

Dumka Algoritmo è nato dopo una registrazione di pianoforte, un duetto eseguito dalla mia ex insegnante. Ricordo che, tornando a casa, riascoltai tutto in Ableton e ci aggiunsi delle interferenze di cavi che avevo in libreria.

Mi piacque il contrasto e pensai che questo alias potesse diventare un nuovo spazio in cui sperimentare.

Molte cose avvengono in modo meccanico, però mi piace pensare che Dumka sia arrivato con i primi passi di un lungo processo di trasformazione e accettazione.

Se ci pensi, la musica può essere un mezzo fortissimo per comunicare un messaggio più grande. Basta pensare a Franco Battiato e a ciò che è riuscito a fare attraverso il suo lavoro. Per me è stata una grande ispirazione.

Le composizioni presenti nel tuo album sembrano emergere da una memoria collettiva, stratificata tra radici, folklore e tensioni contemporanee. Come vivi questo dialogo fra passato e futuro?

In questo album, più che mai, ho sentito il bisogno di coinvolgere i gusti e le influenze delle persone a me vicine. Grazie a loro ho ampliato i miei orizzonti musicali, scoperto nuovi generi, avuto conversazioni che hanno rafforzato i nostri legami.

Ad esempio nel brano “§°√π”, c’è una parte di chitarra del mio caro amico Federico Francavilla. Oltre ad aver curato foto e video dell’album (e anche altri miei progetti), è un musicista eccezionale. Riesce sempre a tirare fuori idee melodiche e armoniche che mi aiutano a costruire più facilmente la struttura finale del pezzo.

Il dialogo tra passato e futuro è difficile da mantenere insieme. Cerco di viverlo rimanendo desto — che per me significa stare nel mezzo.

Guardare al passato senza paura o giudizio, semplicemente osservandolo, può aiutarci a fare quel salto nel vuoto che non sappiamo dove ci porterà finché non tocchiamo terra.

In ascolto, la tua musica appare come un rituale. Una meditazione sonora che invita all’introspezione. Quali domande esistenziali abitano la tua ricerca artistica in questo momento?

La prima domanda è: chi sono? Qual è la mia funzione su questa terra?

La seconda è: perché non so cucinare come mia madre? (ride)

Scherzi a parte, ho tante domande che mi frullano in testa — soprattutto dopo aver letto un libro meraviglioso di Willigis Jäger, L’essenza della vita. Lo trovo incredibilmente attuale. Lo consiglio davvero a tutti, anche a chi leggerà questa intervista.

Napoli è terra di dualità: luce e ombra, estasi e urgenza. Quanto questa atmosfera si riflette nella tua scrittura sonora e visiva?

Hai detto bene, Andrea: Napoli è una terra di dualità. E aggiungerei anche di mistero. Credo sia proprio in quel mistero che risieda la bellezza.

Grazie a questa città ho imparato ad apprezzare e ad interessarmi a ciò che non si vede — molto più di ciò che è tangibile e razionale.

Tornando a Jäger, nel libro si chiede: perché la scienza non esplora di più ciò che non si vede? Siamo sicuri che nell’ignoto non ci siano risposte valide?

Tutto questo influenza profondamente il mio modo di approcciarmi alla vita e, di conseguenza, anche alla musica.

Esplorare significa anche perdersi. Cosa ti spinge a varcare i confini del conosciuto, ad affidarti al suono come strumento di scoperta più che di controllo?

Perdermi nella musica mi è sempre piaciuto, forse anche troppo, soprattutto negli ultimi anni.

Di recente ho cercato di creare un distacco genuino tra me e la scrittura musicale. Questo mi ha permesso di vivere meglio il mio tempo, per poi tornare alla composizione con occhi nuovi.

Tra scoperta e controllo c’è una linea sottile — se si spezza, tutto perde autenticità.

Mi è capitato spesso di inciampare in questo errore, ma credo che faccia parte del percorso. David Lynch, per citare un altro grande, ha detto una volta: “le idee sono come pesci”. Trovo sia una delle metafore più belle per descrivere il processo creativo — prendere qualcosa che si manifesta all’improvviso e trasformarlo in arte.

La corporeità e l'astrazione convivono nel tuo linguaggio. In che modo riesci a mantenere vivo il contatto con la materia, il gesto, l’organico, in un tempo sempre più dominato da algoritmi e automazione?

Cerco di dedicare almeno dieci minuti al giorno a me stesso. Sono tempi difficili, ma non dobbiamo perdere la speranza.

Per fortuna, sempre più persone sono disposte a intraprendere un cammino di maggiore consapevolezza. Questo porta un piccolo spiraglio di luce in un momento di grande confusione e dispersione.

Ci vuole uno sforzo enorme, la strada è lunga e la pigrizia può sopraffarci. Ma, nel mio piccolo, resto fiducioso. Non potrei fare altrimenti.

L’album sembra generare una dimensione sospesa, senza tempo. Quali stati interiori o esperienze personali guidano questo processo? È un disco nato più dai silenzi… o dai rumori?

Grazie Andrea, per me è un bellissimo complimento.

Ciò che guida il mio processo creativo è, in un certo senso, il dialogo e il contrasto interiore. Ma anche imparare a vedere ciò che ho intorno. Senza attrito, secondo me, è difficile che emerga qualcosa di buono.

A volte mi capita di perdermi in un continuo fluire di stimoli e feedback — senza, stranamente, perdere la sensazione di essere presente.

Ed è una sensazione bellissima.